- Las pasarelas evolucionan con nuevos formatos, directores creativos y debates sobre su relevancia, pero siguen siendo el gran escaparate de tendencias.
- París y Nueva York concentran estrenos clave en Chanel, Dior, Balenciaga o Valentino, mientras florecen conceptos como la “moda sucia” o el lujo cómodo.
- 080 Barcelona Fashion y otras pasarelas locales apuestan por sostenibilidad, moda circular y escenarios singulares, reforzando su proyección internacional.
- Las colecciones incorporan discursos sobre género, diversidad y cultura pop, usando el desfile como espacio político y narrativo además de comercial.
Las pasarelas de moda viven un momento de auténtico terremoto creativo: nuevas direcciones artísticas en las grandes casas, formatos híbridos entre cine y desfile, escenarios insólitos y un debate constante sobre si estos shows siguen teniendo el mismo peso en la industria. Aun así, siguen siendo el escaparate donde se decide qué se llevará en las próximas temporadas y qué temas culturales marcan la conversación.
En este recorrido vas a encontrar un panorama muy completo de las principales semanas de la moda internacionales (Nueva York y París a la cabeza), de la alta costura, de las pasarelas españolas como 080 Barcelona Fashion y de nombres tan sonados como Valentino, Chanel, Dior, Balenciaga, Miu Miu o Celine. También veremos fenómenos como la llamada “moda sucia”, el auge de la moda circular, los desfiles en localizaciones extremas como Gstaad o el metro de Nueva York y el impacto de la cultura pop y las redes en todo este ecosistema.
¿Sigue teniendo sentido la pasarela de moda hoy?
En los últimos años el formato clásico de semana de la moda ha saltado por los aires. Muchos diseñadores han roto con el calendario tradicional: mezclan colecciones masculinas y femeninas en un único show, lanzan piezas directamente al consumidor sin esperar a la temporada o sustituyen el desfile físico por fashion films y propuestas digitales.
Este giro responde a varias tensiones: el hartazgo ante la velocidad de consumo, la presión comercial y la búsqueda de mayor creatividad. Creativos como Jonathan Anderson han verbalizado este cansancio: el ciclo de “consumir, desechar y pasar a lo siguiente” acaba matando la imaginación. En este contexto, la pasarela se está reescribiendo como un espacio menos pirotécnico y más centrado en la artesanía, la narración y la experiencia.
Sin embargo, la pregunta de si “aún hay valor en las pasarelas” sigue sobre la mesa. Muchos diseñadores optan por mezclas de formatos: desfiles físicos muy íntimos, experiencias inmersivas, películas de moda proyectadas en paralelo o presentaciones fuera de calendario. Lejos de desaparecer, la pasarela está mutando para seguir siendo relevante en la era del streaming, TikTok y las ventas online.
New York Fashion Week: laboratorio de ideas y nuevas narrativas
La Semana de la Moda de Nueva York se ha consolidado como el gran campo de pruebas de la industria. Allí conviven las grandes firmas con nuevas voces que usan la pasarela como altavoz político, emocional y estético.
En uno de los desfiles de otoño-invierno 2026/27, una cita de la escritora Susan Orlean en las notas del show lo resumía bien: la ropa y las fragancias son los objetos más íntimos y, a la vez, los más públicos que elegimos. Esta dualidad entre lo que llevamos pegado al cuerpo y lo que mostramos al mundo está en el centro de muchas colecciones neoyorquinas.
Entre las diseñadoras emergentes destaca una creadora jamaicana que debutó con una colección pensada para “una mujer moldeada por el pensamiento, la intuición y la contradicción”. Su propuesta se aleja de la mujer plana y perfecta y abraza la complejidad femenina: tejidos que juegan con la transparencia y la opacidad, cortes que dejan ver y esconden a la vez, y un estilismo que mezcla lo racional con lo instintivo.
También hemos visto colecciones de otoño donde el terciopelo, el tweed, los brillos y las pieles se combinan en clave urbana, además de propuestas sobre tipos de calzado que actualizan el armario invernal neoyorquino: abrigos de tweed salpicados de lentejuelas, vestidos de terciopelo con aplicaciones metálicas o prendas de piel suavizadas por forros satinados.
La temporada se abrió con fuerza gracias a un diseñador que decidió inaugurar el calendario adelantándose al inicio oficial de la semana. Recuperó el Park Avenue Armory como escenario, un espacio cargado de historia en Manhattan. El mensaje era claro: Nueva York sigue siendo el punto de partida de la temporada, capaz de marcar el tono antes de que el resto de ciudades arranquen motores.
Alta costura en París: legado, artesanía y nuevas voces
La alta costura parisina continúa siendo el Olimpo de la moda, pero también atraviesa un fase de cambios profundos. Los estrenos de directores creativos en casas legendarias han encendido el interés mediático y han puesto sobre la mesa el eterno dilema: cómo equilibrar herencia y modernidad.
En Valentino, el desfile de alta costura fue descrito como un auténtico vals de opulencia. La colección se movía entre referencias históricas, la presencia de iconos de Hollywood y el inevitable homenaje al fundador Valentino Garavani. Siluetas grandiosas, colores intensos y detalles barrocos reivindicaban el lado más teatral de la moda, sin perder de vista el gusto contemporáneo por la ligereza y el movimiento.
El nuevo ciclo de Alessandro Michele en la alta costura ha llegado cargado de narrativa visual y referencias curiosas. En uno de sus desfiles presentó la colección a través de Kaiserpanoramas, unas cabinas del siglo XIX donde los peatones se asomaban para ver imágenes lejanas. Este guiño histórico convertía la experiencia en algo casi museístico, mezclando nostalgia, tecnología antigua y fantasía couture.
Daniel Roseberry, al frente de Schiaparelli, ha señalado que siente que comienza “una etapa nueva, más expresiva y más libre”. Su colección de alta costura primavera-verano 2026 presentada en el Petit Palais estaba plagada de plumas de aves, siluetas con forma de escorpión, apliques florales y texturas que recordaban a peces y reptiles. Un universo de criaturas híbridas que encaja con el ADN surrealista de la casa, pero revisado con un lenguaje muy actual.
En el caso de Chanel, la alta costura ha entrado en una fase especialmente observada por tratarse del estreno de Matthieu Blazy. Su primer desfile de alta costura para la maison fue un canto a la ligereza apoyado en una factura técnica impecable. Planteó una colección en la que los volúmenes flotaban alrededor del cuerpo y los detalles de atelier —incluso piezas de herencia como el broche de tu abuela— se apreciaban casi al microscopio, incluso cuando retiraba códigos tan reconocibles como el tweed o los botones joya, para comprobar si la esencia de Chanel seguía intacta sin ellos.
También se ha vivido el debut de Jonathan Anderson en la alta costura de Dior, un movimiento que venía acompañado de enormes expectativas. Su propuesta apostó por siluetas plisadas en colores potentes, jerséis de punto combinados con vestidos de noche y bolsos inspirados en el siglo XVIII, todo ello subrayando el trabajo de los talleres sin recurrir a fuegos artificiales. El foco estaba claramente en las manos que cosen la ropa, más que en el espectáculo.
Otro capítulo importante lo protagoniza Armani Privé, con Silvana Armani, sobrina de Giorgio Armani, asumiendo la dirección creativa. Tras más de cuatro décadas trabajando junto a su tío, se convierte en la única mujer que actualmente dirige una colección de alta costura en la casa. Sus colecciones mezclan el rigor de la sastrería clásica con una sensibilidad luminosa y femenina, manteniendo el legado Armani a la vez que abre una nueva etapa.
Paris Fashion Week: la catedral de la moda contemporánea
Si la alta costura es la cúspide, la Paris Fashion Week de prêt-à-porter es el gran escenario donde se decide el rumbo comercial y estético de la industria. Esta temporada se ha calificado como histórica por el estreno de Matthieu Blazy al frente de Chanel, pero también por otros movimientos de sillas en firmas emblemáticas.
El debut de Blazy en Chanel dentro del calendario de París se ha interpretado como la apertura de una etapa más libre para la maison. Su visión es menos rígida y más lúdica, aunque profundamente respetuosa con los elementos fundacionales de la casa. Los drapeados ochenteros y los estampados florales se han colado en la colección primavera-verano 2026, aportando un toque de exuberancia controlada.
En Ann Demeulemeester, el director creativo Stefano Gallici ha preferido sumergirse en los archivos de la diseñadora belga y combinarlos con referencias musicales y literarias. La oscuridad poética de la firma se reformula con nuevas proporciones y un enfoque más actual sobre el género, manteniendo la melancolía rock característica de la casa.
Pieter Mulier, en Alaïa, ha dado un giro respecto a las primeras colecciones en las que se apoyaba fuertemente en los códigos de Azzedine Alaïa. Ahora se distancia ligeramente de esas premisas para explorar una sensualidad nueva, más fluida y menos literal. Aun así, sigue trabajando el tejido casi como una escultura, prolongando la sombra del fundador mediante un estudio minucioso de la construcción de la prenda.
En Celine, Michael Rider ha encontrado por fin un equilibrio entre el legado de la firma y su propia identidad. Su última colección apostó por una visión moderna y desenfadada, con presencia del pañuelo como pieza clave: anudado al cuello, convertido en top, como cinturón o incluso como detalle en bolsos y calzado, articulando toda una propuesta alrededor de un accesorio clásico.
Otra de las grandes historias fue la llegada del nuevo director creativo a Hermès, Nadège Vanhee, que ha tirado de la inspiración ecuestre, tan presente en el ADN de la casa. Las referencias a las monturas, las sillas de montar y las prendas de establo se transforman en abrigos elegantes, pantalones de cuero impecables y accesorios que mezclan lujo y funcionalidad.
El calendario parisino también se vio sacudido por el estreno de Pierpaolo Piccioli en Balenciaga. Para preparar su primer desfile para la firma de origen vasco, el diseñador aseguró que “escuchó a la humanidad”. En la colección se vieron referencias muy literales al trabajo de Cristóbal Balenciaga, pero reinterpretadas con tejidos más humildes y con guiños a su antecesor. La idea: mantener el volumen arquitectónico del maestro, pero ponerlo en diálogo con la calle de hoy.
Valentino, Dior, Chanel y compañía: los grandes nombres marcan el paso
Más allá de una sola ciudad, las grandes casas de lujo siguen siendo faros que iluminan el resto del sistema. Sus decisiones creativas, cambios de dirección y discursos en pasarela se filtran después a las marcas comerciales, al fast fashion e incluso al street style.
El universo Valentino para invitadas ha llamado especialmente la atención esta temporada. Los vestidos diseñados por Alessandro Michele se han convertido en auténticos objetos de deseo para bodas de primavera-verano y eventos especiales. Siluetas largas, combinaciones de color inesperadas y estampados casi pictóricos dibujan un vestuario pensado para brillar más allá de una sola estación, acompañado de bolsos artesanales.
En Chanel, además del foco en el debut de Blazy, ha habido especial interés por los nuevos zapatos bicolor y los bolsos que se distancian del clásico 2.55. La firma ha presentado cinco modelos de bolsos que aspiran a convertirse en los nuevos iconos de la casa, y una serie de zapatos bicolor renovados que prometen actualizar los looks más sencillos. Las variaciones sobre el código bicolor buscan enganchar a una generación que quiere tradición, pero sin sensación de pieza de museo.
Los cambios en direcciones creativas han hecho que el “criticómetro” de la moda se dispare. Cada debut se analiza al milímetro: se comparan colecciones, se repasan archivos, se mide el respeto por el legado y la capacidad de aportar algo nuevo. Esto ha sido especialmente evidente en la oleada de estrenos de la primavera-verano 2026, donde varios diseñadores han firmado sus primeras colecciones para casas históricas, desde Chanel hasta Balenciaga o Dior.
En paralelo, la ropa de baño también se ha subido con fuerza a la pasarela. Un buen ejemplo ha sido el desfile en Tenerife Beach Costa Adeje, donde varias firmas de baño imprescindibles presentaron propuestas de cara a la próxima temporada. Trajes de baño con cortes asimétricos, tejidos con efecto segunda piel, estampados tropicales y guiños al athleisure muestran que el swimwear ya no es una categoría menor, sino un territorio creativo a la altura del prêt-à-porter.
Tendencias clave: de la “moda sucia” al regreso de las batas
Más allá de los nombres propios, las pasarelas apuntan cambios profundos en la manera de vestir y de entender la ropa. Uno de los fenómenos más comentados ha sido la llamada “moda sucia”: prendas que reivindican lo desgastado, lo manchado, lo inacabado, casi como una respuesta a la obsesión por la imagen pulida en redes.
Bajo esta etiqueta, se agrupan propuestas que juegan con el aspecto usado, la deconstrucción y el reciclaje visible. Vaqueros con rotos exagerados, abrigos con dobladillos deshilachados, camisetas que parecen encontradas en un mercadillo de segunda mano… Todo responde a una idea muy clara: la basura de una persona puede ser el tesoro de otra. Se trata de reivindicar la belleza de lo imperfecto y, de paso, lanzar un mensaje sobre el consumo desmedido.
Otro síntoma de este giro es el retorno de las batas y vestidos de estar por casa reinterpretados para la calle. Lo que antes era prenda de interior ahora se lleva con sandalias joya, botas altas o incluso con deportivas. Este “loungewear sofisticado” se alinea con las ganas de comodidad pospandemia, pero con acabados de lujo: sedas, algodones de alta calidad y detalles de encaje aplicados a prendas pensadas para salir.
En el ámbito de los vestidos, han brillado los florales de Chloé para primavera-verano 2026. La firma ha apostado por piezas en las que el estampado floral no es un mero adorno, sino el eje visual del look: flores de gran tamaño, composiciones casi botánicas y una paleta que se mueve entre los tonos empolvados y los colores más saturados.
En Miu Miu, las claves de la temporada han girado alrededor de un juego irónico con el uniforme de trabajo y la domesticidad. Su colección para primavera-verano 2025 reflexiona sobre la figura de las “tradwives” (esposas tradicionales que idealizan el hogar), mezclando delantales, faldas lápiz, prendas de oficina y guiños al trabajo doméstico en clave humorística y estilosa.
Pasarelas españolas: 080 Barcelona Fashion y otros focos
En España, 080 Barcelona Fashion se ha consolidado como la gran plataforma de moda de autor, con una clara apuesta por la sostenibilidad, la moda circular y el talento emergente. Tras una década celebrándose en el Recinto Modernista de Sant Pau, el certamen se prepara para mudarse a un nuevo enclave junto al mar a partir de abril de 2026.
Las últimas ediciones en Sant Pau han dejado momentos muy potentes. Moisés Nieto ha firmado cierres de pasarela llenos de personalidad, mientras firmas como Lemachet han apostado por una delicadeza casi etérea, Santamarta ha defendido un upcycling fino y muy trabajado, y Reparto ha presentado colecciones frágiles pero contundentes en mensaje.
En otra edición, Escorpion abrió la pasarela con un homenaje emotivo a Bernat Biosca, mientras Lola Casademunt by Maite la cerró con sus ya icónicos estampados animal print, demostrando cómo el ADN de marca puede mantenerse fresco temporada tras temporada.
Los datos de asistencia hablan por sí solos: más de 11.000 personas han pasado por las últimas convocatorias de 080, consolidando su proyección internacional. Además, la presencia de proyectos como “080 Reborn” ha puesto el foco en la moda circular, mostrando colecciones creadas a partir de prendas y materiales recuperados.
El futuro de la pasarela catalana está marcado por una gran incógnita: tras apagar los focos en Sant Pau, queda por definir con claridad su sede definitiva. Este interrogante, lejos de restar fuerza, parece añadir expectación sobre la próxima fase del certamen y su capacidad para aprovechar el tirón del mar como nuevo escenario.
Modelos, cultura pop y momentos virales
Las pasarelas ya no son solo cuestión de ropa; también son escaparates de cultura pop. Los hitos que más se comentan muchas veces no tienen que ver con un patrón perfecto, sino con un gesto, una anécdota o una aparición inesperada.
En los últimos meses se han recopilado momentos virales que mucha gente se ha perdido pese a su impacto en redes: caídas que se convierten en memes, discursos improvisados tras un desfile, performances inesperadas o invitados sorpresa en primera fila. Todo ello nutre una conversación global que ya no se limita a los medios especializados.
La modelo Awar Odhiang, por ejemplo, describía su aparición en el debut de Matthieu Blazy en Chanel diciendo que se sentía “flotando sobre la luna”. Esta frase, ampliamente compartida, funciona casi como lema de una generación de modelos que vive los desfiles como experiencias totales, no solo como trabajo.
También ha habido noticias más duras, como el fallecimiento de una joven modelo vinculada a la Pasarela Campoamor de Oviedo, encontrada sin vida en su vivienda en Málaga por causas naturales. Este tipo de sucesos recuerdan la fragilidad que se esconde tras la fachada de glamour y sirven para abrir conversaciones sobre la salud física y mental en la industria.
En el terreno de las veteranas, una top model de los 90 reapareció con un estilismo que ya había lucido en pasarela décadas atrás, esta vez para entregar un premio a Heidi Klum en los Bambi Awards de Múnich. El reciclaje de looks históricos se convierte así en un guiño nostálgico que conecta generaciones de amantes de la moda.
Escenarios inesperados: de Gstaad al metro de Nueva York
Una de las grandes obsesiones actuales de las marcas es encontrar localizaciones que cuenten una historia por sí mismas. El desfile clásico en carpa blanca ha dado paso a montañas nevadas, estaciones de metro, palacios históricos y playas volcánicas.
Guess, por ejemplo, ha llevado su pasarela a las alturas de Gstaad, organizando un desfile exclusivo en plena montaña. Entre nieve, chalets de lujo y vistas panorámicas, la colección se impregnaba de un aura apres-ski sofisticada: plumíferos ceñidos, prendas de punto grueso, botas imponentes y accesorios pensados para la vida social de las estaciones de esquí.
En el extremo opuesto, una firma ha elegido el metro de Nueva York como escenario de su colección 2026. La idea: reivindicar que el metro pertenece a todos, un lugar donde convive una mezcla brutal de clases sociales, estilos y culturas. Ver looks de lujo desfilar por andenes y vagones subraya ese contraste y refuerza el mensaje de que la moda ya no está encerrada en torres de marfil.
Otras casas prefieren los grandes museos y edificios históricos: el Petit Palais parisino se ha convertido en marco perfecto para propuestas de alta costura, mientras el Recinto Modernista de Sant Pau ha demostrado que la arquitectura puede ser un personaje más del desfile. Estas elecciones no son neutras: ayudan a posicionar a la marca en términos de cultura, tradición o modernidad.
Moda, género y disidencias: la pasarela como espacio político
La moda lleva años siendo un reflejo (y a veces un altavoz) de las luchas sociales. Esta temporada, las disidencias de género han vuelto a reclamar atención en un contexto marcado por amenazas institucionalizadas a los derechos de las personas LGTBIQ+ en distintos países.
En muchas colecciones se aprecia una ruptura deliberada con la binariedad hombre-mujer: faldas en colecciones masculinas, trajes sastre en pasarelas femeninas, piezas pensadas para cuerpos no normativos y modelos que encarnan identidades diversas. Todo ello va más allá de un gesto estético: se trata de abrir espacio a realidades que existen fuera de la rigidez de lo binario.
Las semanas de la moda también son termómetro de estados de ánimo sociales. Un repaso a los hitos de cultura pop más comentados del año muestra cómo la moda dialoga con ellos: desde los 11 minutos que Katy Perry pasó “en el espacio” hasta los giros constantes del clan Kardashian. Estos momentos se filtran luego en colecciones que hablan de escapismo, saturación mediática o necesidad de autenticidad.
En paralelo, debates como el resurgir o el agotamiento de espectáculos como Victoria’s Secret vuelven a la mesa. Se analiza cómo las modelos curvilíneas interactúan con un ideal de sensualidad heredado, mientras algunas figuras más delgadas exhiben siluetas extremas. Encajes, plumas y alas gigantes ya no bastan para sostener una fantasía que mucha gente percibe como desfasada, lo que empuja a replantear este tipo de shows.
Entre cambios de directores creativos, debates sobre la relevancia de las pasarelas, nuevas narrativas de género, escenarios insólitos y una creciente preocupación por la sostenibilidad, el mapa actual de las pasarelas de moda es tan complejo como apasionante. Quien se asome hoy a estas noticias no solo descubre qué se llevará la próxima temporada, sino también las tensiones, deseos y contradicciones de una industria que, pese a todos sus cambios, sigue utilizando el desfile como gran relato compartido.
